A pesar de la diferencia cronológica entre las dos películas y un tiempo importante sin la presencia de Martín Patino en la escena cinematográfica española, tiempo en el que se había dedicado a experimentar con el video y otros medios audiovisuales. Regresó con una película intimista y de indagación interior del propio director. Con una dinámica muy lenta y una espléndida recreación del entorno, se tocan temas diversos como la soledad, el amor, la añoranza, la decadencia, el paso del tiempo que nada perdona, la amistad y sobre todo de la muerte.  

La película fue muy bien acogida por la crítica y en ella se quiso ver desde el principio la reivindicación de un cine regionalista castellano, al resaltarse en ella aspectos propios de esta tierra, opinión reforzada por la importante inversión que realizó sobre el film la Junta de Castilla y León. Esta buena acogida de la crítica no lo fue tanto para un público acomodado al cine más comercial y menos acostumbrado a ver cine de autor de desarrollo más lento y carácter más intimista.              No obstante, el resultado es una buena cinta cuyo éxito radica, en parte, en el espectacular equipo del que se rodeó Basilio Martín Patino para realizar la obra. Empezando por el sector interpretativo aparecen figuras como Charo López, Alfredo Landa, Paco Rabalo el siempre magnífico Juan Diego, pero también

supo Martín Patino dar un papel a gente anónima de Toro. En cuanto al aspecto técnico supo el director rodearse de uno de los mejores directores de fotografía del cine español como lo es Jose Luis Alcaine, que ya había trabajado con gran nivel a las órdenes de Patino en Canciones para después de una guerra y con éxito en El Espíritu de la Colmena y El Sur de Víctor Erice. A la producción Jose Luis García Sánchez para La Linterna Mágica. Por último, el aspecto musical es formidable el trabajo de Carmelo Bernaola, que utiliza tanto piezas de Bach o Scarlatti como canción popular (varias veces en la película suena El Bolero de Algodre).

Esto en cuanto a los aspectos más prácticos de la película pero es a la lectura e interpretación del film donde hay que acudir para entrar en esa visión personal del realizador. Presentes están las constantes de la obra de Patino: la ruptura constante de la narración, la elipsis como elemento fundamental de la misma, alusión a las Españas enfrentadas y a tiempos entremezclándose continuamente, la presencia de personajes reales, la lucha por alcanzar la libertad y la identificación del protagonista con el propio director. Esa libertad de Martín Patino está en la película y en la propia vida de Patino  

 Es una película con escenas de gran emoción como por ejemplo la llegada de Berta a su pueblo encontrándose con una casa apuntalada, lo que a su vez incide profundamente en la soledad del personaje. Y son esos los temas principales en los que incide la película: por un lado la soledad, donde incide con importancia desde el principio, cuando la protagonista llega a su ciudad natal y se suceden los planos de las calles, las gentes, el ambiente del lugar y el silencio. Es ese silencio lo que nos transmite toda la tónica general de la película, el trasfondo de Berta en el que se refleja el autor. Ese silencio sólo está roto en estas ocasiones por las narraciones de Berta de fragmentos del Hyperion de Hölderlin, libro que se dedicaba a traducir…retrata la soledad y la frialdad de esta tierra y se retrató Martín Patino él mismo.

Y por otro lado la muerte, presente en toda la película y materializada en la madre de Berta, razón por la que ésta tuvo que volver de Alemania. Quizá en la película de Patino que más presente está la muerte de una manera más real es en Queridísimos Verdugos de 1973 pero es en Los Paraísos Perdidos donde esa idea de la muerte está más sugerida pero con un trasfondo más profundo. Concretamos: aparece la enfermedad y posterior muerte de su madre en una escena tensa donde el cadáver está presente junto a la estética Berta que está escondida tras sus gafas, tomado en un buen contrapicado que transmite todo el dolor del momento; la muerte de un anciano, sugerida por la llegada al hospital de una ambulancia; y la escena de la matanza del cerdo. Cada momento asociado a la muerte viene precedido en la película por un momento más agradable. En resumen, la muerte colma las aspiraciones del personaje central, lo que le hace rehacer la vida continuamente.                        A través de la localización realiza un homenaje a una tierra que le vio crecer, Castilla representada en Toro. Aparecen sus calles, sus monumentos, sus gentes y sus costumbres.

  Es significativo cuando Benito (Alfredo Landa) en la secuencia del baile dice que “nada nos cambia”, reflejando el sentir del Patino sobre la situación de conformismo en la que se encontraba España en esa época. Se podría pensar que un director que había trabajado tan intensa como lúcidamente al margen del régimen anterior encontraría facilidades para continuar su labor en las nuevas condiciones. Pero Patino prefirió dedicarse a la experimentación con los materiales nuevos como el vídeo, mostrando así su rechazo al cine que surge en la transición repleto de temas tabú prohibidos por la censura. Como consecuencia de la saturación de este cine aparece la llamada Ley Miró, una serie de reformas introducidas por la Directora General de Cine, Pilar Miró. Esto facilitó la vuelta de Martín Patino y de otros de los grandes directores de épocas anteriores. Así vuelve el director a la realización de cine “puro”, a partir de un argumento propio. Es una obra de madurez, estrechamente vinculada a las preocupaciones fundamentales de su autor que encontró una buena acogida, pero que no fue suficiente para superar las reticencias de Patino frente a la industria.

No alargamos más el artículo, sólo pretendemos dar una interpretación sobre una película realizada en su mayor parte en nuestra ciudad, que la gente recuerda por la calle, unas calles tan bien reflejadas por Basilio Martín Patino en el film. Y desde estas líneas animo también a la gente que aún no haya tenido la oportunidad de verla, a que lo haga*.